中国绘画“无法而法”的境界

文/李伟

中国绘画中的“无法而法”是传统美学中极具哲学深度的创作境界，其核心在于打破技法的桎梏，以自然天性与精神自由为归依，实现艺术表达的本真超越。这一概念最早可追溯至清代画家石涛在《苦瓜和尚画语录》中提出的“无法而法，乃为至法”，其内涵需从技法、哲学、创作心理三个维度深入解析：

一、“无法而法”的本质：从“有法”到“无法”的辩证超越

1. “法”的双重性：规矩与桎梏

中国画的“法”最初指笔墨、构图、设色等传统规范（如“十八描”“六法论”），是历代积累的创作范式。但当“法”沦为机械模仿的教条时，便会束缚艺术生命力。“无法而法”并非否定“法”，而是强调画家需先“入法”精研传统技法，直至烂熟于心，再“出法”让技法随情感与意境自然流露，达到“忘法”的自由状态。

•石涛论画：“至人无法，非无法也，无法而法，乃为至法。”意即真正的大师并非不懂法度，而是超越法度的形骸，使技法成为精神的仆人。

2. “无法”的核心：以“真”破“执”

当画家摆脱对技法的刻意执念，便能回归创作的本真“师造化”与“师心源”的统一。此时笔下的线条、墨色不再受程式约束，而是随“心”而动，呈现自然生机。如郑板桥画竹：“胸中之竹，并非眼中之竹也，手中之竹又非胸中之竹也”，从观察到构思再到落笔，每一步都在打破固定模式，最终形成“无法”的鲜活表达。

二、“无法而法”在绘画中的具体呈现

1. 笔墨：破“形”求“意”的自由挥洒

•写意画的极致：徐渭的《墨葡萄图》以狂草般的笔触泼墨挥写，葡萄藤的缠绕、果实的浓淡全无固定技法，唯有“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风”的悲愤之气贯注其中，笔墨的“无法”恰是情感的“至法”。

•八大山人的“怪诞”造型：其笔下的鸟、鱼常作“白眼向人”之态，构图极简，线条奇崛，打破传统工笔写实的比例与动态，以变形求神似，用“无法”的造型传递孤高孤愤的心境。

2. 构图：“留白”与“破格”的哲学智慧

•传统山水画中，马远、夏圭的“边角之景”打破全景式构图的常规，以大面积留白象征“空濛天地”，看似“无法”的剪裁，实则暗合道家“有无相生”的宇宙观。

•现代画家李可染在传统“积墨法”基础上，以黑密厚重的墨色突破“轻淡空灵”的文人画范式，其《万山红遍》的满构图与饱和朱砂色，看似“破格”，却以强烈的视觉冲击力重构了山水的精神气象。

3. 意境：“不似之似”的超越性审美

齐白石提出“妙在似与不似之间”，正是“无法而法”的审美注脚。其画虾不刻意描摹虾的生理结构，而是通过水墨的浓淡变化与笔触的提按，捕捉虾的灵动神韵。这种“无法”的写意，反而比写实更贴近自然生命的本质。

三、“无法而法”的哲学根基：道家与禅宗的思维渗透

1. 道家“自然无为”的影响

《庄子》中“庖丁解牛”的寓言，以“依乎天理，因其固然”的解牛之道，喻示艺术创作需顺应自然规律，超越人为造作。中国画中的“逸品”追求“笔简形具，得之自然”，正是“无为而无不为”在艺术中的体现。看似“无法”的笔触，实则暗合天地万物的运行法则。

2. 禅宗“顿悟”对创作心理的启发

禅宗强调“不立文字，直指人心”，影响画家以“顿悟”的方式突破技法束缚。如宋代米芾创造“米点山水”，以横点积染表现烟雨迷蒙的江南景色，这种技法创新并非刻意设计，而是他在观察自然时“忽然有感”的顿悟结果，体现“一念悟时，众生是佛”的创作心理自由。

四、“无法而法”对当代艺术的启示：在传承中破界

1. 警惕“伪无法”的误区

当代一些创作以“创新”为名否定传统，实则是未“入法”而空谈“无法”，沦为空洞的形式游戏。真正的“无法而法”需以深厚的传统积淀为基础，如黄宾虹晚年“黑宾虹”的笔墨境界，是其毕生研习“五笔七墨”后，将技法融入潜意识的自然迸发。

2. 数字时代的“新无法”探索

现代艺术家尝试将传统“无法而法”的精神与新技术结合：如徐冰的《芥子园山水卷》用AI算法生成山水图式，再以传统笔墨临摹，在“机器生成”与“手工书写”的碰撞中，探讨传统法度在数字时代的新可能；又如新媒体艺术家用代码生成动态水墨，让算法的“随机性”与画家的“心源”对话，延续“无法而法”中“自然”与“心源”的辩证关系。

“无法而法”艺术创作的“复得返自然”

中国绘画的“无法而法”，本质是艺术家通过对传统的深度消化，实现从“技”到“道”的跨越。如同陶渊明笔下“久在樊笼里，复得返自然”，当画家摆脱技法的“樊笼”，笔墨便成为心灵的镜像，此时“无法”即是“至法”，艺术也回归到“表达本真”的终极意义。这种境界不仅是对技法的超越，更是对艺术创作中“人”的主体性的深刻肯定。唯有以心为法，方能让笔墨流淌出超越时代的生命力。

编辑/艺馨

出品/现代艺术